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Aujourd’hui, le 26 août, jour de la naissance d’une grande collectionneuse d’art et mécène américaine, Peggy Guggenheim.

Née le 26 août 1898, elle est la fille de Benjamin Guggenheim et la nièce de Solomon R. Guggenheim, qui a donné son nom au célèbre musée d’art contemporain mais aussi le créateur de la Fondation Solomon R. Guggenheim. Sur cette photo en noir et blanc, Peggy Guggenheim, 81 ans, pose dans le jardin de sculpture à son palais du 18ème siècle, le Palazzo Venier dei Leoni, à Venise, le 30 mai 1979.

Quant au magnifique Palazzo Venier dei Leoni au bord du Grand Canal, il est devenu un des musées d’art contemporain les plus importants d’Italie – le Guggenheim de Venise. On peut suivre l’évolution de l’art du XXe siècle notamment du cubisme à l’expressionnisme abstrait.

Saviez-vous que Peggy à son arrivée en Europe, elle n’était pas capable de faire la différence entre l’art abstrait et le surréalisme? C’est Marcel Duchamp qui a donné la véritable introduction à l’art moderne à Peggy Guggenheim. Elle a ouvert sa galerie Guggenheim jeune en exposant sa collection personnelle à Londres en 1938.

Image: AP Photo / Jerry T. Mosey.

Bon, ce n’est pas aujourd’hui que nous allons vous parler du voyeurisme. Peut-être, demain. Car demain c’est un autre jour. Donc, un autre billet. Aujourd’hui, de la peinture. Ça fait trop longtemps que nous n’avons pas divagué sur la peinture.

Une scène de vie, un dimanche après midi au bord de l’eau… Deux choses en un… tableau aujourd’hui.

Seurat, Un dimanche après-midi à l’Ile de la Grande Jatte, 1886

D’abord, le tourisme. À l’autre époque, il n’y avait pas de tourisme comme nous le connaissons aujourd’hui. Il y avait des voyages d’étude, des excusions sur des terres inexplorées et sauvages, des conquêtes au nom de l’empire… et il y avait aussi des après-midis du dimanche, moment d’oisiveté en reconnaissance de ce don du très tout puissant. On n’allait pas ailleurs pour dépenser de l’argent, on rentre dans son argent à quelques lieux de chez soi. On encourageait l’économie locale ou quoi.

Mais l’industrialisation a tout changé. La productivité, la richesse à plus grande échelle, l’épuisement physique et les vacances. On va ailleurs et on a inventé le tourisme.

Ensuite, les artistes, Ô les pires de notre espèce! Ils sont parmi les premiers qui se lancent dans la recherche du renouveau. Tenez, George Seurat, l’auteur de ce tableau, contestait les expériences optiques trop subjectives de ses prédécesseurs, les impressionnistes. Il commençait à étudier la perception des couleurs, des ouvrages des chimistes et la théorie sur le contraste simultané des couleurs. C’est tout simplement du je-me-moi et je suis plus que les autres.

Depuis l’industrialisation, tout se gâte… notre monde est de plus en plus compliqué. On invente de plus en plus de spécialités pour nous vendre des nouveautés et prendre notre argent chèrement gagné. À qui la faute? Les artistes, les premiers à vouloir du renouveau.

Voyez-vous ce que Seurat a fait de plus? Rien, à part des points. Regardez son tableau le plus célèbre ci-haut: Contemplons la nature au bord d’une marre d’eau près de chez soi, la montagne au loin si vous êtes chanceux comme dans son tableau et,  le fidèle compagnon, si vous avez un.

Voilà tout. Rien de plus. Mais on l’appelle le divisionnisme, le pointillisme ou le néo-impressionnisme.

Masque d’opéra, surface de transition entre l’expression faciale et le sujet.

Nous avons parlé à quelques reprises des masques qui font les affiches de l’Opéra de Montréal. Nous pouvons voir qu’avec les années, on dépouille davantage le traditionnel maquillage théâtral et faire place à une synthèse visuelle du sujet de la pièce que l’on met à l’affiche. Cette année, Werther, mythique personnage né de la plume de Goethe, le début symbolique du mouvement Romantisme. Pour la première fois, on parle ouvertement dans un roman du suicide. Werther, être sensible, impuissant de se faire face à l’échec de sa vie et vivre avec ses souffrances comme des héros de la mythologie grecque. La vie de Werther se solde par un suicide au lieu d’une mort grandiose dans le cas des tragédies grecques.

Hier soir, les trains sur la ligne Verte du Métro de Montréal sont arrêtés à l’heure du souper, probablement, un premier suicide sur les rails souterrains de la ville en 2011. On n’annonce pas ces choses dans le message destiné aux usagers. Mais l’ambulance était là. Le service d’autobus « spécial » a pris la relève pour évacuer les usagers qui ont hâte à retourner chez eux pour commencer leur weekend, le premier weekend de grand froid de l’année. Cette histoire de fin de vie ne raconte rien. Il y a seulement des peut-être, le grand froid mordant de ce weekend, la déprime hivernale, la misère humaine…

L’art, il magnifie.

En parlant de casque qui brille, ceux qui aiment l’oeuvre de Rembrandt savaient que la renommée de cet Homme au Casque d’or était jadis à l’image de l’artiste hollandais. Depuis la révision de son attribution à Rembrandt par des experts du Rembrandt Research Project, l’importance de la présence de l’Homme au casque diminue, de même pour sa présence sur le web. Le passé glorieux de celui-ci s’efface. Car il n’est plus considéré comme étant de la main du Maître. Cependant, nul ne peut contester la qualité de cette oeuvre malgré son attribution à un éleveur de Rembrandt.

Le désintéressement ou l’intérêt que l’on porte à un style d’art est propre de chaque époque. Souvent, c’est pour de mauvaises raisons que les étiquettes comme « Art pompier » ou « Art de la Pin-up » sont inventées en omettant de considérer le contexte socioculturel auquel ces étiquetages ont vu le jour. Tout comme la désacralisation de l’Homme au casque d’or qui peut être un assainissement nécessaire et souhaitable pour l’oeuvre de Rembrandt compte tenu du nombre d’oeuvres attribuées à ce dernier, mais combien dommage pour l’art. Car la beauté de ce pompeux casque de l’homme au regard sévère et triste vaut son pesant d’or, bien plus que tout or que représente le casque lui-même.

Le terme « Art pompier » est arrivé à l’époque de la naissance de l’Impressionnisme. C’est une époque où la floue optique impressionniste représente une façon nouvelle de voir la réalité, même si le départ de l’Impressionnisme était difficile comme toute chose à son début. L’idéal esthétique à la fin du 19e pour des pays du vieux continent n’était plus cette vision du monde aseptisée qu’on voit dans l’art académique. On se souhaite un monde nouveau, de lumière et de vitesse malgré les guerres et les misères humaines.

L’art de Pin-up est né d’une époque où la photographie couleur n’est pas encore développé. Au milieu du 20e, la consommation de masse et la pub se développent et les moeurs se décontractent… mais le poids de la moralité pèse encore.  L’idéal d’une société moderne que représentent les États-Unis se construit autour de la famille, de son enrichissement et de la consommation des membres de la cellule familiale. Le calendrier et les affiches de dimension modeste pour les foyers et celles qui sont surdimensionnées pour des places publiques sont le véhicule de promotion par excellence pour une société de consommation. Ainsi est né l’art de Pin-up au cours des années 1940-50.

La mort du Général Wolfe, par Benjamin West, 1770.

Ce tableau a connu bien de succès. L’artiste en a fait plusieurs versions pour répondre à l’offre et la demande de ses contemporains. En fait, nous aurions pu titrer ce court commentaire de plusieurs façons:

Le début de l’Histoire du Canada; la dernière page de la Nouvelle-France; une page de l’Histoire du Québec, la Mort d’un général, etc.

Selon les archives, seules quatre personnes sont témoins de la mort du général anglais. West a donc réinventé la scène de la mort de Wolfe. Selon les règles académiques de son époque, les héros sont habillés d’armure antique. West a donc fait preuve d’anticonformisme, en habillant ses personnages selon le code vestimentaire du 18e. Quant à cet indien, c’était sans doute pour rendre son tableau « sexy »  aux yeux des Britanniques : même les « sauvages », ils ont combattu auprès du héros pour vaincre les Français.

Voilà pour cette version picturale de la mort d’un général de l’Histoire québécoise… D’accord, d’accord, le Québec n’existait pas encore au 18e siècle. Mais, vous avez compris que la notoriété de ce tableau a fait objet de plusieurs « récupérations » historiques. C’est fou quand on y pense, à peine deux jours de bataille, les généreux des deux côtés ont été tués. Wolfe pour les Anglais, Montcalm pour les Français. Une page d’histoire d’un peuple a pris fin et une autre a débuté.

Un retour sur les photos de seins nus pour la cause du cancer du sein.

On nous apprenait hier qu’un autre magazine, cette fois-ci, du côté de la France, le magazine féminin Marie Claire nous réserve eux aussi, un spécial de dix vedettes françaises posant seins nus contre le cancer. Le numéro est titré : « Elle va montrer ses seins, elle va sauver sa vie ».

Incroyable, n’est-ce pas? Les idées novatrices fusent.

Comme vous êtes des amateurs d’art et non des voyeurs… vous êtes sans doute intéressés aux arts, aux artistes créateurs, au sens profond des oeuvres d’art. Vous vous demandez à l’instant même : « Mais dites Artiste, qui est le photographe des clichés  contre le cancer du sein du magazine Marie Claire? »

- Mais voilà! Enfin une vraie question! Jeff Manzetti.

Comme vous êtes curieux de nature, vous voulez probablement savoir qui sont les femmes acceptées d’apparaitre dans Marie Claire complètement dévêtues? Pour être francs, nous n’en connaissons aucune parmi les dix, sauf peut-être le nom Depardieu. Elles sont Rachida Brakni, Hélène Darroze, Sophie Davant, Julie Depardieu, Estelle Lefébure, Mathilda May, Rossy de Palma, Nathalie Rykiel, Sylvie Testud et Elsa Zylberstein.

Tenez, la photo qui donne le ton. Elle sera sur la couverture de Marie Claire, en kiosque le 9 septembre prochain.

Bon, assez d’actualité! Pour terminer, un peu d’art du passé : Gabrielle d’Estrées et de sa soeur la duchesse de Villars. Vous pouvez voir ce tableau au Louvre.

Le tableau est fort connu, trop connu pour de mauvaises raisons, encore une fois.  Quels intérêts peut-il en avoir si ce n’était pas à cause de ce geste ostentatoire entre deux femmes prenant un bain?  À part la draperie rouge, c’est un tableau sans intérêt et ordinaire. Cette peinture anonyme, considérée de l’école de Fontainebleau, semblerait faire allusion à la maternité de Gabrielle et à la naissance de César de Vendôme, fils illégitime d’Henri IV. La signification semblerait se trouver dans ce pincement du mamelon du sein droit de Gabrielle d’Estrées. Ce geste étrange est souvent interprété comme étant un symbole de la grossesse de Gabrielle. Quant à la bague tenue entre ses doigts de Gabrielle, elle désigne la maternité hors mariage.

Curieux, n’est-ce pas?

Si nous laissons tomber ce blabla de sens symbolique et de style de peinture; si nous faisions fi de cette page d’histoire de la France, cette peinture ne serait pas bien différente que la page centrale d’un quelconque numéro du magazine Playboy : deux femmes nues prenant un bain ensemble.

On disait souvent que l’on dénude le corps de la femme pour de mauvaises raisons. Eh bien, le phénomène n’est peut-être pas si nouveau. Bonne semaine!

Vous avez bien lu : une petite histoire de sexe du vendredi soir… une petite histoire d’art satirique, une oeuvre d’art censurée. Une controverse créée de toutes pièces par les organisateurs de la Biennale de Venise pour faire mousser leur événement. S’il n’y a pas de controverse, ce serait ordinaire. Notre monde veut de l’extraordinaire. Mais, si vous demandiez la question aux organisateurs : « Dites, pourquoi tant de comédie? » On vous répondrait probablement « ménon, ménon, ce n’est pas de tout de la censure… Car ces oeuvres constituent une atteinte à la pudeur. » Pendant ce temps, les partisans de l’artiste censuré montent aux barricades en criant : « libérer Venise! »

Au centre, un artiste, Jacques Charlier. Pour certains, un grand artiste; pour d’autres, ils diraient discrètement « ouf! Au suivant. » Mesdames et Messieurs, ce n’est qu’une toute petite histoire de sexes d’artistes pour vous divertir. Pire! Nous y succombons. Ô Vanitas vanitatum, et omnia vanitas – vanité des vanités, et tout est vanité.

Jacques Charlier a été sélectionné par la Communauté française de Belgique pour participer à la 53e biennale de Venise. On désirait faire exposer ses « 100 sexes d’artistes », sous forme d’affiches dans l’espace public de Venise. Les dessins composés depuis 1973 représentent 100 attributs de procréation des artistes qui ont marqué l’art du XXe siècle depuis Marcel Duchamp. Une idée intéressante. Un double véhicule pour diffuser la création artistique : le sexe et des artistes connus, à la fois un humble hommage aux illustres et une expression artistique singulière et débridée de l’artiste.

Que demandez-vous de plus?

Voilà, vous pouvez tout voir sur ce site à partir du 3 juin, mais nous ignorons combien de temps le site demeura en ligne. Toutefois, nous avons déniché l’un de ces 100 sexes d’artistes de Charlier pour vous! Ô Seigneur! Pardonnez-nous de cette décadence. Semble-t-il, l’artiste exposera tout de même ses œuvres, sur un bateau amarré près des Giardinis de la Biennale.

Image : Jacques Charlier

Vous saviez sans doute, à l’autre époque, il y avait à Paris, le Salon officiel pour ceux que l’on honore, et à côté, le Salon des scandaleux, des rejets, des losers, qui ont quand même noirci plusieurs pages du grand livre d’histoire de l’art. Rappelez-vous de ce que Michelange a dit à propos de la nudité contenue dans son Jugement dernier?

« Allez dire au pape que c’est un problème mineur et qu’il est facile de la rendre convenable; qu’il fasse du monde un endroit convenable et la peinture suivra le même chemin. »

Le 2 mai 1808, les Madrilènes se soulèvent contre l’occupation française et napoléonienne. C’est le début d’une impitoyable guérilla dont témoigne ce chef-d’œuvre de Goya. Napoléon a qualifié la guerre d’Espagne comme étant un ulcère jamais guéri de son règne. Le conflit a mobilisé 300,000 soldats français sur le sol espagnol.

Cette malheureuse guerre d’Espagne a été une véritable plaie, la cause première des malheurs de la France […] j’embarquai fort mal toute cette affaire, je le confesse; l’immoralité dut se montrer par trop patente, l’injustice par trop cynique, et le tout demeure fort vilain, puisque j’ai succombé.

Quant au mot guérilla – petite guerre, en espagnol, est née de l’insurrection soudaine du peuple espagnol de 1808 contre les troupes d’occupation. On l’a inventée pour qualifier les attaques surprises des combattants de l’ombre provenant de toutes les couches de la société, sans uniforme et sans code d’honneur selon les règles de batailles de l’époque. L’Église catholique espagnol a été une grande animatrice de cette guérilla. À bien observer la scène de fusillades de l’autre chef-d’oeuvre de Goya…

En effet, Goya a peint un pendant à ce tableau que l’on prépare ici son accrochage, les fusillades du 3 mai – Tres de Mayo, beaucoup plus connu que ce «2 mai 1808». De plus, le «3 mai 1808» est d’une qualité picturale encore supérieure, qui a servi d’inspiration à Manet pour ses plusieurs versions de l’Exécution de l’empereur mexicain Maximilien.

Sans être critique, ni minimiser la valeur de la célébrité de Manet, malgré sa large place dans les livres d’art, vous pouvez constater qu’il n’y a pas de comparaison possible en talent ou en contributions artistiques entre ces deux-là. L’un est parmi les plus grands Maîtres de l’histoire et l’autre, un polémiste, ou encore, un pionnier parmi ces artistes qui provoquent. Cette perte de la maitrise technique et du savoir-faire en peinture au profit du sensationnalisme scandaleux laissant au fil du temps un vide désarmant, désolant et affligeant qui serait tout aussi regrettable, sinon déjà, pour la richesse du patrimoine de notre monde que la disparition de ces espèces animales dont notre monde moderne chérisse tant.

Sur l’autel du sacrifice, quoi de mieux que du sang d’un innocent pour laver tous les péchés du monde porcin? Ô l’impureté!

Désolé! On doit fusiller Porcinet.

Car Porcinet semble être le candidat tout désigné : hésitant, bégayant, timide et peureux jusqu’à avoir des tremblements corporels. Bref, idéal à être désigné comme victime de la grippe mexicaine et porter le blâme de cette souche de virus d’influenza: grippe porcine, grippe mexicaine, grippe nord-américaine… L’heure est au choix! Comment bien choisir le nom de cette nouvelle pandémie afin d’éviter une accusation à tort d’une malheureuse origine… et surtout pour éviter les conséquences économiques. Quoi de mieux que Porcinet qui est du pays imaginaire?!

On a finalement décidé: la grippe A (H1N1).

Bon, maintenant un peu de sérieux, et un peu d’art pour ne pas déshonorer l’esprit artistique de ce blog. L’idée d’utiliser cette caricature vient du tableau de Manet – l’Exécution de l’empereur mexicain Maximilien. L’événement est considéré comme le dernier épisode de la guerre du Mexique.

Maximilien de Habsbourg-Lorraine est exécuté en compagnie de ses deux fidèles: le général Tomás Mejía et l’ancien président et général d’infanterie Miguel Miramón. En 1864, Maximilien, frère de l’empereur d’Autriche, s’est installé sur le trône du Mexique sous la protection de l’empereur Napoléon III et de l’armée française. Mais Napoléon a retiré ses fantassins moins de trois ans plus tard, alors que Maximilien refuse de partir en même temps, affirmant qu’« un Habsbourg ne désertera point le poste que la Providence lui a confié. »

En réalité, Maximilien voulait conserver son pouvoir sur le pays avec l’intention de rivaliser la montée des États-Unis sur le continent. Mais il n’était pas de taille à maîtriser les événements sur son propre territoire. Le 19 juin 1867, il est arrêté, jugé, condamné et exécuté par Juárez, représentant des forces du précédent gouvernement mexicain. La nouvelle de son exécution parvient à Paris 11 jours plus tard, la presse parisienne s’empare alors de l’événement sensationnel et fait de Maximilien une victime, plus tard, héros et martyr de la résistance libérale.

Voilà, ne trouvez-vous pas que Porcinet serait excellent pour porter le titre du saint martyr de la grippe A – H1N1?

Bon, sachez que l’image est une merveilleuse menteuse sans vergogne quand l’artiste manipule, avec opportunisme et habileté.

La campagne publicitaire, sans texte, représente un groupe de spermatozoïdes, dont l’un a une forme humaine parmi eux. On dénote Mao, Hitler et Ben Laden. Le grand timonier communiste chinois Mao est reconnaissable par sa coupe de cheveux, Hitler avec sa moustache tout aussi facilement reconnaissable, et finalement Ben Laden, l’homme à la barbe bien fournie et au turban qui a traumatisé l’imaginaire de l’Occident moderne.

Une autre pub controversée pour le moins que l’on puisse dire, mais est-ce bien intentionnée, ciblée ou simplement insolite?

Évidemment, les médias officiels et des internautes en Chine se sont indignés de cette autre publicité caricaturant Mao, une réaction prévisible lorsque Mao est déguisé en spermatozoïde aux côtés de Hitler et de Ben Laden. Pour ces derniers, on sait que nul ne prendra parole pour leur «cause», alors que le symbolisme idéologique que représente Mao est encore bien trop vivant dans l’esprit de plusieurs que l’on ne hausse que les épaules en voyant une telle image publicitaire.

Selon le journal Global Times, la publicité a été réalisée par l’agence Grey Group pour la société pharmaceutique Doc Morris afin de promouvoir une nouvelle ligne de préservatifs. Semble-t-il, la pub n’a même pas été retenue.

Ô ces gens en marketing, qu’ils sont modestes! Ils sont capables de déguiser un franc succès médiatique en échec.

Il y a ces moments où écrire est synonyme d’ordre, priorité et choix : un effort pénible.

Car sans une ordonnance de ces idées vagues et fuyantes, la priorité serait arbitraire et, le choix du sujet de nos billets, hasardeux. Si nous laissions aller ces idées qui surgissent de notre esprit comme un enfant émerveillé devant le spectacle des cumulus un jour venteux. Il y aurait mille métamorphoses instantanées qui défilent, mais de maigres souvenirs dans quelques jours. Comme quoi, l’exaltation procure peut-être un instant de bonheur, mais combien elle est néfaste pour le maintien du blogue. Des trous béants entre les posts. Car ces jours où nous nous égarons dans nos idées fuyantes, l’esprit en émoi et bien, rien pour le blogue.

En ce moment-ci, nous avons cet étrange sentiment de comprendre un autre lieu commun : Oh! Ces artistes… des rêveurs paresseux. Voilà! nous venons de comprendre un autre mystère de la vie d’artiste. Mon Dieu que nous sommes lucides maintenant!

Déjà la Semaine sainte, dans peu de jours, le mi-mois, et nos idées fuirent sans cesse dans le néant. Bon sang! Mais qu’y en a-t-il parmi ces idées fuyantes?

Ben, nous avons pensé à l’écriture de Jack Kirouac et à ce que Delacroix pensait du croquis d’un grand sentiment aux productions les plus achevées en peinture.  Juste un tout petit siècle, un écrivain sorti de nulle part, de parents canadiens-français ou québécois si Kirouac est de notre époque. Il est devenu le leader de la beat-generation et a livré en quelques années des proses d’une grande liberté, écrites sur des rouleaux de papier, du début à la fin, sans arrêt. Des plus belles pages de la littérature moderne du 20é siècle.

Aussi, cette peinture de Soulages. Elle nous fait cogiter de long moment sur l’évolution de cet esthétisme fond/forme de la peinture du XXe et de ces artistes qui voulaient changer notre façon de voir la peinture… même la perception. Ils sont fous ces idéalistes. Comme si Dieu joue aux dès pour nous agacer. Paf! Tout d’un coup, l’Amérique nous a donné un Warhol : tenez, de l’art de la consommation pour vous! Savez-vous qu’il y a une grande exposition sur Warhol à Paris?

- Bon, d’accord, vous le saviez.

Évidemment, nous avons pensé aussi aux ténèbres de Rembrandt et au clair-obscur de Latour, et de cette excellente récite écrit par Guignard sur Georges de Latour. L’avez-vous lu?

- A…ah! Voilà. Nous vous ferons lire un passage la prochaine fois. Promis!

Un peu confus ce billet, n’est-ce pas? C’est ça les idées fuyantes, lumineuses pour un,  ténébreuses et embrouilles pour les autres.

En parlant de la noirceur et de la Semaine sainte, nous vous suggérons d’écouter les Leçons de Ténèbres de Charpentier cette fin de semaine, des chefs-d’oeuvre de l’art vocal. Que vous soyez croyant ou athée, vous comprendriez que 60 minutes sans lumière ne seraient qu’un bref moment avec les paroles de Jérémie et la musique de Charpentier.

Allons, nous terminons ce billet hasardeux ici et cessons de vous embourber dans nos histoires d’idées fuyantes. Pour vous! Les Sept aveugles de Pieter Brueghel l’Ancien pour agrémenter votre longue fin de semaine de Pâques.

- Fermez vos yeux quand vous écoutez Charpentier. C’est beaucoup plus lumineux.

Saviez-vous qu’un très très grand encan d’oeuvres d’art débute aujourd’hui à Paris?

Il s’agit de la vente de 732 oeuvres d’art de la collection Yves St-Laurent et Pierre Bergé chez Christie’s. Deux des sculptures animalières en bronze font objet d’un litige : des têtes de rat et de lapin, pillées à Pékin il y a près de 150 ans au Palais d’été par les troupes franco-britanniques lors de la seconde guerre de l’opium. Après le vol, les troupes de l’Alliance ont incendié le Palais comme celui qui a incendié la semaine passée l’église de Saint-Philibert, en Beauce.

Ces deux têtes faisaient partie d’un ensemble de douze animaux symboliques de l’astrologie chinoise. Les sculptures en bronzes entouraient jadis une fontaine conçue par le jésuite français Michel Benoist.

Si le droit international interdit le commerce d’oeuvres d’art volées, il n’est toutefois pas rétroactif et ne peut être appliqué aux biens culturels volés dans les années 1860. Une demande symbolique de l’annulation de la vente de ces têtes a été déposée par l’Association pour la protection de l’art chinois en Europe (APACE). Elle sera examinée aujourd’hui, à Paris. Les deux sculptures sont évaluées entre 8 et 10 millions d’euros chacune. Elles doivent être mises aux enchères mercredi soir.

Au cours des dernières années, de richissimes hommes d’affaires chinois ont acheté cinq des douze têtes dans des ventes aux enchères pour les offrir à la Chine. En 2007, le milliardaire des casinos de Macao, Stanley Ho, a déboursé 8,8 millions de dollars pour la tête de cheval chez Sotheby’s Hong Kong avant de l’offrir à la Chine. Plusieurs de ces têtes d’animaux en bronze étaient en circulation depuis fort longtemps. Cependant, elles ne font objet d’une réclamation que récemment. On dirait que la montée en puissance d’une nation s’enorgueillisse sa voix officielle.

Pour des pays comme Égypte ou Irak, à quand leur tour?