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Un chef-d’oeuvre artistique est une perfection qui n’aspire pas à être parfaite.

L’artiste qui arrive à créer un tel état d’harmonie a probablement su traduire dans son oeuvre plusieurs détails qui forment un univers en soi. La perfection artistique existe si le regard que nous y portons ne retranche ni de détails ni de défauts qui font l’oeuvre.

Hier, au moment où nous écrivions les mots «sensualité» et «rigueur». Nous avions en esprit ces portraits de dames qui ont rendu Ingrès célèbre. Évidemment, nous n’oublions pas ses nus sublimes. Si ce Maître du néoclassicisme supprimait les imperfections de l’anatomie féminine comme le font de nos jours des photographes-graphistes qui photoshopent. Ingrès, lui, il disloquait aussi des articulations et déformait la posture du modèle pour rendre un portrait de femme encore plus parfait que son double. Ingrès refaisait la nature pour la rendre encore plus naturelle.

Le bras du cavalier sur cette peinture chinoise antique, un peu difforme et ces pattes de cheveux, trop frêles d’apparence pour leur corps robuste, n’enlèvent rien à la perfection du dessin. Là encore, nous y trouvons une similitude frappante entre l’art de Han Gan et l’art d’Ingrès.

Individuellement observées, les lignes de leurs oeuvres sont nettes, certainement raffinées, mais peut-être impersonnelles au goût de certains, et même un peu trop maniérées. Cependant, elles s’avèrent porteuses de signatures de deux grands génies lorsque nous regardons l’oeuvre dans son ensemble et contempler l’esprit de leur art.

Ingrès, Portrait de Madame LeBlanc

C’est un peu idiot de voler des œuvres de Picasso dans l’espoir de s’enrichir. Si ce n’est pas dans un but de s’enrichir, pourquoi vole-t-on des Picasso? C’est encore arrivé cette semaine, on a volé un carnet de croquis de Picasso au Musée Picasso à Paris.

Une chose qui est bien : cela nous donne une occasion de parler de l’art d’autrefois; ça nous permet à radoter un art que tout le monde ou presque connaisse. « Du Picasso! Eh oui! Qui ne connaît pas? Des portraits avec un oeil, un nez sur le front, une oreille à la place de la bouche… »

Bon, d’accord! Il y a un tantinet de ironie. Allons! Pourquoi est-ce idiot de voler encore des œuvres de Picasso à nos jours?

Car c’est révolu la suprématie de l’art de Picasso. Il s’agit d’un art qui outrepasse l’importance de la place qu’il occupe dans la grande livre de l’histoire. Depuis quelque temps, peu parmi les richissimes collectionneurs dépensent follement pour s’acheter un Picasso. C’est bien plate, mais c’est comme ça que l’on détermine la valeur d’un art dans notre monde où la finance prenne une grande place. La descente de la valeur des oeuvres de Picasso n’a que commencé et son passage à vide poursuivra. L’esthétiquement parlant, des Picasso ne cadrent plus avec les canons du « beau » de notre époque. Bref, nous arrêtons là au risque de nous passer pour un anti-Picasso.

Ménon! Nous adorons de bons dessins de Picasso! Nous sommes des fervents adorateurs! N’empêche que le ou les voleurs du carnet de Picasso sont des idiots finis! Ils n’arriveraient pas à le vendre.

Bon, à part de traiter des voleurs de Picasso idiots, regardons quelques croquis de ce carnet volé.

Voilà! Trois dessins de Picasso du carnet volé. Ne sont-ils pas des dessins qui feront taire aux plus grands détracteurs de Picasso? Nous ne parlons de ces beaux visages de femme mais bien du talent de Picasso, ces traits sûrs, cette assurance…

Un dessin cubiste pour les amateurs de l’art abstrait. Une composition impeccable.

Vous dites : c’est pourri? Vous avez raison! Mais nous le choisissons pour faire plaisir aux dessinateurs! Il y a dans ce dessin un dessin de représentation, un dessin schématique, des dessins qui parlent du désir de dessinateur, la transformation d’un objet en signes, la forme du divan en traits, etc. Il y a là un artiste qui cherche et réfléchit.

Une esquisse ratée du carnet volé. Voyez-vous, le génie est humain.

Vous avez bien lu : une petite histoire de sexe du vendredi soir… une petite histoire d’art satirique, une oeuvre d’art censurée. Une controverse créée de toutes pièces par les organisateurs de la Biennale de Venise pour faire mousser leur événement. S’il n’y a pas de controverse, ce serait ordinaire. Notre monde veut de l’extraordinaire. Mais, si vous demandiez la question aux organisateurs : « Dites, pourquoi tant de comédie? » On vous répondrait probablement « ménon, ménon, ce n’est pas de tout de la censure… Car ces oeuvres constituent une atteinte à la pudeur. » Pendant ce temps, les partisans de l’artiste censuré montent aux barricades en criant : « libérer Venise! »

Au centre, un artiste, Jacques Charlier. Pour certains, un grand artiste; pour d’autres, ils diraient discrètement « ouf! Au suivant. » Mesdames et Messieurs, ce n’est qu’une toute petite histoire de sexes d’artistes pour vous divertir. Pire! Nous y succombons. Ô Vanitas vanitatum, et omnia vanitas – vanité des vanités, et tout est vanité.

Jacques Charlier a été sélectionné par la Communauté française de Belgique pour participer à la 53e biennale de Venise. On désirait faire exposer ses « 100 sexes d’artistes », sous forme d’affiches dans l’espace public de Venise. Les dessins composés depuis 1973 représentent 100 attributs de procréation des artistes qui ont marqué l’art du XXe siècle depuis Marcel Duchamp. Une idée intéressante. Un double véhicule pour diffuser la création artistique : le sexe et des artistes connus, à la fois un humble hommage aux illustres et une expression artistique singulière et débridée de l’artiste.

Que demandez-vous de plus?

Voilà, vous pouvez tout voir sur ce site à partir du 3 juin, mais nous ignorons combien de temps le site demeura en ligne. Toutefois, nous avons déniché l’un de ces 100 sexes d’artistes de Charlier pour vous! Ô Seigneur! Pardonnez-nous de cette décadence. Semble-t-il, l’artiste exposera tout de même ses œuvres, sur un bateau amarré près des Giardinis de la Biennale.

Image : Jacques Charlier

Vous saviez sans doute, à l’autre époque, il y avait à Paris, le Salon officiel pour ceux que l’on honore, et à côté, le Salon des scandaleux, des rejets, des losers, qui ont quand même noirci plusieurs pages du grand livre d’histoire de l’art. Rappelez-vous de ce que Michelange a dit à propos de la nudité contenue dans son Jugement dernier?

« Allez dire au pape que c’est un problème mineur et qu’il est facile de la rendre convenable; qu’il fasse du monde un endroit convenable et la peinture suivra le même chemin. »

Il y a 155 ans passés, un 4 avril, Eugène Delacroix, peintre romantique par excellence laissait dans son célèbre Journal un passage qui résume, en quelque sorte, un idéal artistique en peinture de son époque. Nous le trouvons fort enrichissant, probablement tout autant pour ceux qui s’intéressent à ce qu’un grand artiste comme Delacroix pense un siècle et demi avant le nôtre de la peinture et de la relation interdisciplinaire en création.

4 avril. – De la différence qu’il y a entre la littérature et la peinture relativement à l’effet que peut produire l’ébauche d’une pensée, en un mot de l’impossibilité d’ébaucher en littérature, de manière à peindre quelque chose à l’esprit, et de la force, au contraire, que l’idée peut présenter dans une esquisse ou un croquis primitif. La musique doit être comme la littérature, et je crois que cette différence entre les arts du dessin et les autres tient à ce que les derniers ne développent l’idée que successivement. Quatre traits, au contraire, vont résumer pour l’esprit toute l’impression d’une composition pittoresque.

Nous pensons que Delacroix aurait pu être un peu plus précis… Quatre traits… ça pourrait être comme ceux-ci.

Par Lucio Fontana, Concetto Spaziale, 1959

Si Delacroix avait vécu au 20e, nous nous demandons ce qu’il aurait dit s’il prenait connaissance de l’évolution de la littérature ou de la musique contemporaine. Vous constaterez que Delacroix notait inconsciemment dans son carnet de ce 4 avril 1854, l’arrivée de l’Impressionnisme. Lui, qui est l’un des pionniers du mouvement romantique de la peinture française.

Même quand le morceau de littérature ou de musique est achevé quant à sa composition générale, qui est supposée devoir donner l’impression pour l’esprit, l’inachèvement des détails sera d’un plus grand inconvénient que dans un marbre ou un tableau; en un mot, l’à peu près y est insupportable, ou plutôt ce qu’on appelle, en peinture, l’indication, le croquis, y est impossible : or, en peinture, une belle indication, un croquis d’un grand sentiment, peuvent égaler les productions les plus achevées pour l’expression.

Pour accompagner ce moment de vie de ce grand artiste qu’est Delacroix, l’un de ses croquis préparatoires de son plus grand chef-d’œuvre, à notre humble avis, La Mort de Sardanapale.

Un dessin d’enfant n’a pas toujours un schéma.

Tout comme l’on ne trouve pas toujours de chefs-d’oeuvre dans les salles d’exposition d’un musée. En passant, avez-vous vu cette exposition au Musée des beaux-arts de Montréal sur Van Dongen, un fauve en ville? On se bouscule au portillon du Musée les weekends…

Bon, parlons du dessin d’Éric.

Dans l’univers des dessins d’enfants, il y a des dessins d’apprentissage qui sont parfois maladroits; des dessins d’assimilation de connaissances qui sont dépourvus d’intérêt artistique; des dessins fantasmagoriques qui procurent avant tout aux enfants le sentiment de puissance et d’évasion; des dessins ludiques qui racontent des moments de leur vie d’insouciance, des dessins libérateurs qui évacuent les impossibilités et frustrations d’enfant; des dessins qui les initient à la vie en société représentant des fêtes, des événements ou des valeurs humaines, et bien d’autres formes de dessins d’enfants.

Dans ce dessin d’Éric, il y a un schéma, un ordre narratif, un squelette sous le coloriage. Le dessin est d’abord tracé à la craie de cire. La répartition des éléments picturaux enferme un scénario narratif. Cela laisse croire que l’histoire du chaman, village, forêt, famille de poissons existe partiellement ou dans sa totalité dans l’imaginaire d’Éric depuis un bon moment déjà. Si elle est dessinée pour la première fois, elle a été assurément mainte fois racontée dans sa tête ou en réalité.

Dans ce dessin d’Éric, il y a les rudiments de la perspective, les premiers signes de l’art du paysage et le début du développement de sa capacité en organisation picturale. L’enfant applique spontanément ici plusieurs techniques picturales anciennes : le dessin d’abord, ensuite les couleurs; les tipis en forme de triangle aux dimensions variables, dont les plus petits, pour désigner les tentes les plus éloignées; des points verts poinçonnés du bout d’un marqueur, entre la rive et la forêt pour représenter des buissons, une technique d’estompage; la représentation de la rivière et des poissons obéit l’approche fond/forme : d’abord, réserver l’espace de la rivière par encerclement en couleur bleu ciel, les poissons et finalement combler le vide en se servant du gros marqueur bleu foncé.

Il y a dans ce dessin d’Éric un schéma, à travers lequel l’enfant organise sa pensée visuelle. Bien que cette pensée naissante soit encore un peu arbitraire, elle est d’une adorable logique d’enfant. Cette habileté de l’enfant est suffisamment cohérente et fluide pour organiser son dessin en suivant non seulement une trame chronologique d’événements narratifs, de plus, elle dose l’utilisation des couleurs. Une ligne de lecture, en zigzaguant, de droite à gauche, du bas de feuille, est reconduite par les poissons au sens opposé. Le tout est coiffé par une masse de feuillage verte. Elle est soutenue par des trucs d’arbres, campée par les deux luminaires presque cosmiques et bibliques, en jaune, la ruche et en orangé le soleil levant.

Pour accompagner le dessin d’Éric, une photo paysage que nous n’avons malheureusement pas noté le nom de son auteur.  Une composition par couches superposées. Le lointain dans la partie du haut, la partie approchée, dans le bas de l’image.

Saviez-vous quelle est la différence entre un artiste-peintre et un amateur qui affectionne la peinture? Un artiste doit être conscient du schéma de son œuvre; un amateur doute de l’existence d’un tel schéma, le voit peut-être occasionnellement, mais sans être capable de l’apprivoiser.

Un schéma est comme le squelette d’un tableau, la structure d’une série de tableaux ou l’ordre caché de la production artistique de toute une vie. À partir d’une idée embryonnaire, un artiste construit son schéma autour de l’intention créatrice. Il l’habille. Il construit un langage pour favoriser son expression. Il le fait évoluer, ou pas du tout. Mais l’artiste sait transposer sur son schéma vision, intention, représentation, symboles, références,  intensité, émotions, pulsion et autres. Un amateur s’émerveille devant ses propres découverts.

Plus l’artiste est grand, plus son schéma est universel, plus son œuvre transcende.

Si le génie de Mozart est universellement connu, il y a évidemment Mozart, cet être au talent exceptionnel. Mais, il y a avant tout son père… non non! Pas au sens du géniteur, mais bien cet être qui a su faire développer le talent d’Amadeus depuis son jeune âge.  La musique et rien que la musique.

Tout enfant a été un jour le petit génie aux yeux de leurs parents, le temps d’une chanson, d’une phrase, d’un dessin, d’une danse ou simplement d’un sourire. La différence entre Léopold Mozart et les autres, c’est que le père de Mozart était convaincu du génie de son fils, il a su déceler le « schéma » de son fils en persistant d’y croire, et le faire développer.

Dans son apprentissage, l’enfant apprend à comprendre le schéma de la Vie comme il apprend à construire et à maîtriser le schéma de la perception. À chaque stade de la vie d’un enfant, ses dessins sont à la fois d’esquisses du schéma de notre humanité, mais aussi un autre schéma, celui de l’expression artistique de l’enfant lui-même. Habituellement, c’est à l’âge de la préadolescence que ce second schéma, artistique, soit abandonné pour la première fois au détriment du premier.

Aujourd’hui, un dessin d’enfant pour accompagner ce billet du milieu de la semaine du congé scolaire.

Nous avons reçu ce dessin en cadeau d’un petit garçon de 6 ans. Son dessin raconte l’histoire d’un village indien au lever du soleil, tout le monde dort encore. Un brave chaman, à quatre pattes, est à la chasse au gibier. Sans doute pour préparer le petit déjeuner du village. Une marmite bouillante aux vapeurs orangées. Dans la rivière, une famille de poissons est à la recherche de la nourriture eux aussi : un gros poisson arc-en-ciel, suivi par un moyen poisson et deux petits poissons. Mais, pourquoi nage-t-elle avec tant de vigueur cette famille de poissons? Car une ruche pleine de miel laissant couler son miel dans la rivière. Se pourrait-il que le chaman soit attiré aussi par le parfum du miel? Si notre mémoire était bonne, nous avons vu dans les yeux d’Éric une lueur de surprise.

À suivre… le schéma du dessin d’Éric.

Combien de temps durera-t-elle, à votre avis, la lune de miel d’Obama avec l’Amérique?

Voilà, Obama est arrivé à Washington samedi soir. Il imite une fois de plus son illustre idole, Abraham Lincoln, faisant le trajet mythique et symbolique Philadelphie-Washington en train.

Samedi soir, les bombardements israéliens sur la bande de Gaza ont aussi cessé.

Aujourd’hui, c’est le jour de la réjouissance à Washington. Un concert We are one souligne le début des festivités de l’investiture d’Obama. Les espoirs qu’incarne Obama se répandent.

Cet après-midi, le Hamas a même «imposé» un calendrier de retrait à Israël pour retirer ses troupes. Tenez-vous bien, en «une semaine». Rien de plus! Ça donne cette impression qu’ils ont sacré une taloche à Israël qui a osé terroriser les Palestiniens. L’État hébreu retire progressivement et docilement de la bande de Gaza son armée. Si si! Nous avons vu un char d’assaut israélien en marche à la télé. Nous ignorons toutefois la direction que prend le char en question. Mais, ça devrait être vrai, c’est annoncé à la télé, faut bien y croire, non?!

Obama a si bien dit ce soir à la fin du concert que la vraie force de caractère d’une nation n’émerge pas en des temps de confort et d’aise, mais bien lors des moments difficiles. Nous avons sentiment que la première crise que l’Adminitration Obama aura à affronter n’est pas la crise économique. Car l’homme et son équipe savent si bien gérer les attentes, c’est donc déjà la moitié d’une réussite! La contraste avec son prédécesseur est saisissante : du talent, de l’intelligence, du charisme et de l’habileté.  Il a tout.

La lune de miel d’Obama avec l’Amérique durera sûrement plus longtemps que représente cette caricature.

Aujourd’hui, un dessin tout simple, un dessin d’idées, un dessin de représentation. Un dessin illustrant la difficulté incommensurable du défi politique qu’attend Obama.

Ici, le « 20 janvier » représente un tournant qui sépare le moment d’avant… et l’après de ce jour historique. Un défi d’abord surhumain devient ensuite surnaturel. Si l’artiste éditorialiste laisse toute la liberté à la perception de celui qui regarde la caricature pour trouver le mot d’interprétation du défi politique d’Obama, on peut cependant dire qu’il s’est assuré une mise en scène symbolique et sans équivoque.

Voilà! Un dessin démontre une fois de plus qu’en caricature, tout est possible pourvu que l’artiste trouve le concept visuel pour illustrer son idée éditoriale.

C’est probablement l’une des questions que les gens ordinaires se posent : « Est-ce que la crise financière va affecter notre niveau de vie? » Voyez-vous, même des gens riches sont aussi sensibles à l’économie précaire des États-Unis.

Sous la plume et le regard ciselé de l’artiste caricaturiste du quotidien Le Soleil, André-Philippe Côté, cette élite faste et richissime, dont plusieurs ont contribué à la crise financière a l’air plutôt du monde tout simple… et grâce au plan de sauvetage de 700 milliards de dollars de l’Administration Bush, ils pourraient probablement réembaucher le jardinier licencié. C’est mieux ainsi, le jardin, c’est bon pour l’environnement, non?

Dans un tout autre ordre d’idée, le très célèbre caricaturiste québécois a orné ce dessin de plusieurs oeuvres célèbres: le Jazz Icarus de Matisse; le Portrait de Margaret Stonborough-Wittgenstein de Klimt, si si, c’est bel et bien la soeur de l’un des plus grands philosphes du 20e siècle, Wittgenstein;  le Personnage inversé de Miro; un Nu assis de Modigliani; le célèbre Marilyn de Warhal; Jeune Fille devant miroir de Picasso.

Malheureusement, après deux jours de cogitation, nous n’avons aucune idée de l’oeuvre placée au-dessus du portrait de Marilyn. Nous en sommes forts déçus… Y a-t-il quelqu’un parmi vous qui connaissez l’auteur de ce portrait?

À Didier, pour répondre à votre question sur comment travailler la nuance d’un visage en dessin, voici 5 autoportraits de 5 artistes de 5 époques avec 5 approches. Dans l’ordre, Da Vinci, Rembrandt, Chardin, Doré et Giacometti.

Qui dit nuance dans un portrait, dit création des valeurs et par conséquent du relief. Mais, comment faire? En théorie, c’est très simple, mais bien compliqué dans la pratique. La création des valeurs dans un portrait, beau, réaliste, authentique ou autres, signifie l’agencement des nuances. On peut créer toutes les nuances avec un seul crayon ou stylo. Eh oui, vous dites sans doute, facile à dire!

C’est très juste… En effet, c’est bien compliqué, disons que sur une échelle de 1 à 10, 1 étant le blanc et 10 le noir, il vous reste à créer 8 gris avec un seul crayon. Même avec beaucoup de pratique, ce n’est pas nécessairement évident. Sur l’autoportrait de Gustave Doré, nous pouvons facilement en dénombrer 8, mais Doré est un célèbre dessinateur et graveur du 19e, grand artiste, malheureusement pas assez reconnu à sa juste valeur de nos jours. Si vous débutez en dessin de portrait, vous n’y arrivez certainement pas tout de suite. Continuez à pratiquer et vous y arriverez!

En attendant, examinons l’autoportrait de Da Vinci. En termes de nuance, c’est plus limité, n’est-ce pas? Au maximum 2 ou 3, sur la joue droite, sous les sourcils et le nez, un peu sur la tempe. Da Vinci, lui, il combine des lignes et des valeurs dans son autoportrait. Vous constatez bien que ça en est une bonne approche pour bien réussir un portrait avec nuances.

Rembrandt, l’un des meilleurs dessinateurs de l’Histoire, il utilise uniquement des lignes pour son propre portrait. Il n’a pas bien de choix Car c’est une eau-forte. Il ne peut qu’utiliser des lignes!! Observez bien, au minimum, 6 sortes de traits pour créer du relief sur le visage, le béret, dans la chevelure et pour délimiter les contours. Impressionnant, n’est-ce pas? Chaque ligne est nette, chaque traite est sûre. Les contours sont affirmés, libres et ouverts. Les lignes sont la base du dessin. C’est une chose d’une très grande difficulté de rendre un visage en trois dimensions dans un dessin qu’avec des traits.

Chardin, son autoportrait est fait au pastel. Il est préférable de s’abstenir d’utiliser le pastel lorsque vous êtes au début de votre apprentissage. Nous avons choisi cette image pour illustrer combien l’art de Chardin est extraordinaire. Vous pouvez constater des milliers de coups sur ce dessin. Ordre, structure et harmonie. Nous avons cette impression que chaque trait est réfléchi et chaque coup de pastel est rapidement déposé. Nous voyons ici la méthode derrière le génie. Il y a là, la nuance par combinaison de traits, de valeurs et de couleurs.

Et finalement, l’esquisse d’une tête, par Giacometti, célèbre sculpteur du XXe. Nous voyons ici un réseau pêle-mêle de lignes. Si l’on compte le temps que Giacometti a pris pour exécuter cette esquisse, pas plus de 30 secondes. Contrairement au dessin au pastel de Chardin, nous voulons souligner que la nuance, ce n’est pas toujours une affaire de minutie et des heures de travail. En quelques secondes, vous pouvez aussi obtenir de la nuance dans un dessin de portrait.

Voilà, Didier, en espérant que cela vous aide à mieux comprendre la nuance dans un portrait avec ces 5 dessins de 5 grands Maîtres de l’Histoire de l’art.

Par Mélibée

La Saint-Valentin arrive à grands pas; le rouge est de nouveau à l’honneur; les p’tits cœurs battent à l’unisson. La réservation au resto est peut-être même déjà faite. Renouveler ses vœux d’amoureux et d’amoureuses. Prendre le temps de dire à l’autre je t’aime. Oui! Mais pour ceux et celles qui sont seuls… Hum!

Écrire? Rédiger une petite annonce en y mettant tout son cœur? Un coup de plume, de trait pour trouver l’âme sœur : Effeuilleuse cherche relieur. N’est-ce pas poétique à souhait? Trois mots ont suffi pour faire naître une image en vous. Imaginez qu’un auteur, Francis Pelletier, prenne soin de colliger ces petites annonces et d’y répondre à travers un livre. Voilà, un concept fort intéressant, n’est pas? Le titre, Cœur à louer. Le texte est librement illustré par Bruce Roberts. L’idée est simple et efficace, d’un côté l’annonce et de l’autre la réponse – interprétation de Francis.

En voici trois extraits.

1- Pas de problème! Jolie femme, 29 ans, classique, formation universitaire, coquette, affectueuse, sportive, etc. recherche homme mature, 5’8” et plus, possédant mêmes caractéristiques. Cas à problèmes s’abstenir. — #000

Connaissez-vous beaucoup d’hommes « coquettes » qui n’ont pas de problèmes?

2- Astiquer vos bâtons. Belle golfeuse, 42 ans, 5’, blonde, passionnée de golf, restos et danse, cherche Sugar Daddy. — #18T

Recherché : Sugar Caddy, mort ou riche, 250$ de l’heure pour croiser le fer avec mademoiselle, prendre un vert avec elle, admirer son swing au dancing et espérer putter ensemble en fin de soirée.

3- Délivrez-moi. Femme 42 ans, 5’8”, quelques livres en trop, mais bien proportionnée, mère, optimiste, cherche homme 54-62 ans, grand, non-fumeur, sens de l’humour. — #200lb

Combien de livres (à l’index*)? J’adore bouquiner!
* On sait qu’on ne devrait pas les posséder, on les cache comme on peut et, le plus souvent, on nie leur existence, mais jamais on ne parvient à s’en départir sans y laisser un peu de soi.

Si vous habitez la belle région de Montréal, vous pouvez vous procurer une copie du livre pour la modique somme de $13.95, prix de promotion de l’ouvrage à la Boutique Royer. Si vous êtes trop loin et virtuel… Contacter directement Francis Pelletier au www.lespelleteursdenuages.com

Pour les plus hardies et les plus coquins qui souhaitent déclamer ardemment leur passion, vous pouvez toujours vous inspirer des XVI sonnets luxurieux de Pietro Arétin, dit L’Aretino, mais je vous avertis, c’est très licencieux! Si vous ne les trouvez pas, dites-le moi.

Et pour ceux qui considèrent qu’une image vaut mille mots, en voici deux qui, je l’espère, vous inspireront. N’oubliez pas que pour aimer, il faut d’abord commencer par soi. Oubliez l’illusion de vouloir vivre en état fusionnel avec un ou une autre douce moitié. Soyez audacieux, assumez pleinement vos désirs et votre passion, vivez en juxtaposition avec un alter ego. Allez! je vous souhaite une très belle Saint-Valentin de tout mon cœur.

Bonne journée!

Au Québec, depuis quelques jours, on parle abondamment des ratés de la Réforme Marois, débats, discours, colloques, manifestations, reportages et autres. On réclame un moratoire parmi les opposants de la réforme du système éducatif québécois. De quoi parle-t-on? On parle des compétences transversales versus les connaissances générales, du rôle des enseignants, de l’objectif d’apprentissage des apprenants… Eh oui! nous n’avons plus de malades par chez nous, mais des « bénéficiaires du système de soins », nous n’avons plus d’élèves, mais des « apprenants » dans les écoles. C’est très bien tout cela. C’est également très noble de réfléchir sur l’avenir de nos enfants comme d’autres le font pour l’avenir de notre planète. On peut même gagner un prix Nobel en défendant la noble cause de l’environnement.

L’échange d’idées sur un sujet comme l’éducation est sain. Il est le fondement de toute société démocratique et progressiste. Mais, il existe un fâcheux problème comportemental chez les humains. Comme dans le cas de l’environnement, après avoir dilapidé les ressources naturelles et consommé avec excès génération après génération, on se dit un bon matin en se levant, « Tiens donc, il faudrait bien que je prenne soin de la Terre qui a l’air malade. Bon, je vais apprendre à mes enfants à recycler, à ne pas gaspiller et à être consciencieux…» Hélas! Nous sommes en 2008.

Et nous? Nous les artistes après avoir rêvassé toute la semaine dans nos ateliers, que réfléchissions-nous un dimanche après-midi en ce début de février 2008? Pas grande chose. Nous pensons à Peggy et de son désir d’apprendre à dessiner un paysage. Hier soir, après que nous fûmes repus de vin, de pain et de la soupe au caillou. Nous avons eu une longue discussion animée autour du sujet : comment expliquer à Peggy à faire un paysage.

Le sujet est vaste. Si l’on commence par l’histoire de l’art, ça prendrait grosso modo quelques années. Si l’on veut décortiquer le climat, les ciels, l’eau, les arbres, les édifices, les fleurs et autres, cela prendra toute une vie, du moins une décennie. Peggy aura alors vieilli et elle aura d’autres préoccupations, comme son premier baiser, son premier enfant, la vaisselle à laver, peut-être même de l’arthrite aux doigts! Si l’on commence par les médiums, pierre noire, pastel gras ou sec, plume, crayon, fusain ou autres, on enrichit les marchands de matériaux avant même que Peggy trace le premier trait du paysage à dessiner. Nous ne voulons pas ça! Nous souhaitons que Peggy devienne comme nous, des gens qui rêvassent.

Donc, nous avons cru bon de prendre quelques oeuvres de Van Gogh pour illustrer comment dessiner un paysage. Pourquoi Van Gogh? Parce que tout le monde le connaît ou presque. Est-il un Maître incontesté du paysage dans l’histoire de l’Art? Non, loin de là! A-t-il écrit un traité sur l’art du paysage qui peut servir comme livre de chevet à Peggy? Pas du tout, il a écrit beaucoup de lettres à son frère, pas utile pour apprendre à dessiner un paysage.

Bon, allons-y et commençons par le commencement.

Étape 1 – Choisir les « acteurs » de votre paysage
Les « acteurs » dans un paysage sont les nuages, les étoiles, les arbres, les édifices, les humains, les fleurs, etc. Peggy, à vous de choisir un ou deux acteurs, maximum trois qui joueront le rôle principal ou la structure de votre dessin à faire. Ensuite, vous donnez le rôle de soutien aux autres acteurs de votre paysage. Finalement, le reste, des figurants. Attention! Dites-vous que vous n’avez pas le temps de vous préoccuper de leurs expressions faciales, mais ils sont là pour donner de l’ambiance à votre paysage. SVP, à ne pas les négliger! Comment? C’est dans l’étape 2.

Vous devez diriger vos acteurs principaux avec tact. Donc, il faut bien les dessiner, les chouchouter et les dorloter en temps et lieu. N’oubliez pas que les vedettes, c’est capricieux! Comment les contrôler pour éviter qu’ils ne vous rendent pas folle? Ça, Peggy, c’est à l’étape 3!

Étape 2 – Comprendre le vide et le plein dans un paysage
Mais, qu’est-ce que le vide et le plein dans un paysage? Très compliqué et très simple. Les artistes classiques orientaux sont des maîtres théoriciens incontestés. Peggy, si vous êtes intéressée par le vide et le plein comme concept, lisez le Vide et plein de François Cheng. Les artistes occidentaux, eux, ils se sont intéressés tout autant au vide et au plein, mais davantage dans la représentation : Breughel, Poussin, Friedrich, Tiepolo, Turner, Constable, Corot, Monet, Cézanne, Moran, etc.

Donc, le ciel, les champs, les montagnes, l’eau, la neige, la pluie et autres jouent à la fois le vide et le plein. Il faut alors du dosage pour obtenir le dynamisme et l’harmonie dans un paysage. Afin que vous puissiez mettre en valeur vos « acteurs » principaux. Vous devez analyser le paysage, faire déplacer vos acteurs si nécessaire, leur donner une intensité en fonction du vide et du plein de votre paysage à dessiner. La réalité, c’est le dessin mais pas la réalité elle-même.

Étape 3 – Donner de la personnalité à votre paysage
Deux approches, la Nature nous offre une infinité de nuances. Peggy, vous pouvez vous fier uniquement à la Nature, ou d’ajouter votre personnalité propre au dessin. La première approche demande un bon sens de l’observation. La seconde, l’affirmation de vous-même! Mais peu importe l’approche que vous préconisiez, il faut apprendre à travailler le relief, le motif, la valeur et les traits. Car c’est le vocabulaire du dessin et la base de tout art pictural. Si vous ne le maitrisiez pas, votre oeuvre en souffrira.

En guise de conclusion, la qualité picturale des trois Van Gogh cités ci-dessus est inégale, l’Église d’Auvers-sur-Oise est excellente, les deux nuits étoilées ont des qualités mais également des défauts. Une oeuvre de Van Gogh dont la qualité est discutable? Même si les experts prétendaient le contraire. Peggy, selon vous, pourquoi?