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Il nous semble que nous avons parlé de lui il y a quelque temps passé.

Aujourd’hui, c’est l’anniversaire de sa naissance, Magritte est né un 21 novembre.

En tout cas, toutes les raisons sont bonnes pour se donner un prétexte d’écrire quelques lignes. Le temps d’un billet, pour dire que nous sommes là. En fait, nous nous disons qu’il faut s’asseoir pour prendre des nouvelles de notre monde et oublier pendant un moment le temps comme quand on développe une photo dans une chambre noire. Quand la minuterie se mit à sonner, il est temps.

Dans cette suite de portraits mi-figue mi-raisin, nous avons pensé à ce portrait de René Magritte qui date d’une époque où il n’y a pas de photoshop. Elle peut être d’intérêt pour un ou deux parmi vous. Ces vieilleries qui peuvent rendre des gens nostalgiques.

Comme chante l’Autre, avec le temps, va, tout s’en va. On oublie le visage et l’on oublie la voix.

Entre l’éternité et l’instant, le temps d’un mois, on peut porter une moustache avec fierté. Ce soir, de l’art Movember.

Movember, une contraction des mots moustache et november. Ce mot désigne un événement de cueillette de fonds qui se déroule durant le mois de novembre afin d’aider la lutte contre les maladies typiquement masculines telles que le cancer de la prostate.

Le mouvement a vu ses jours en 1999. Il consiste à se laisser pousser la moustache pendant un mois afin d’attirer l’attention.

Bon, c’est déjà le 15 du mois. Il ne reste presque plus de feuilles dans les arbres…

Note: Autoportrait de Frederick Cayley Robinson

Père et fils, Terry et Bob Richardson, par Terry Richardson.

Une photo en dit long sur la relation Père Fils Richardson.  Bob Richardson, célèbre photographe des années 1960, est décédé le 5 décembre 2005.

Dans mes pensées à moi, il y a cette image qui trotte depuis hier soir.

Bon, maintenant un peu de mise en contexte. Si lui, il se voyait en enfant, elle, elle pensait à lui. Diego dans mes pensées ou pensant à Diego (détail), 1943.

En 1943, ça faisait déjà trois ans qu’ils se sont remariés. Elle ensei- gnait. Des douleurs permanentes dans son pied droit l’empêchent de marcher. Elle doit porter un corset de fer pour soutenir son dos et diminuer ses douleurs. Ces éléments ne l’empêche à peindre. L’autoportrait que nous vous avions présenté l’autre jour date aussi de 1943.

Il y a des soirées comme celle-ci, tout est un peu difficile, surtout avec un peu de vin dans le nez, la fatigue dans le corps et le chien docilement couché dans son cousin qui nous jette un regard de temps à autre en lâchant un soupir tout grave. L’esprit de l’artiste est un peu altéré. Après Jenny Saville et Frida Kaklo, une chute de tension dans le sujet : femme, autoportrait, le Mexique, la Mort…  la tendance est donc en pente descendante. La structure des billets d’un blog étant un fil linéaire, il faudrait donc casser la linéarité.

Mais quoi écrire? Difficile de revenir sur les billets en ébauche, presque abandonnés comme le noir dans les autoportraits de Courbet, l’autoportrait de Le Caravage, sans les ténèbres; etc.

Quelques idées autour des autoportraits d’artistes femmes ou simplement femme qui nous trotte dans la tête… Tamara de Lempicka, trop douce et atténuée après Saville et Kahol; les monstrueuses Femmes de De Kooning, cela aurait été trop exigeant comme sujet pour ce soir; Marianne Von Werefkin, expressionniste, mais pas assez connue… ça n’aurait pas intéressé grand monde.

Bon, après ces tergiversations, le chien a encore soupiré et décidé de mettre sa tête entre ses quatre pattes pour dormir. Bon, il est temps pour nous aussi aller faire dodo. Au diable! Nous allons contenter de la facilité… si si! La facilité.

Vous connaissez un peu maintenant Frida Kahlo, le méchant Diego, La Catrina. Et bien, voilà les trois réunis dans la célèbre fresque peinte par Rivera dans les années fin 1940 soulignant les 400 ans d’histoire du Mexique : Le Rêve d’un dimanche après midi dans le Parc de l’Alameda.

C’est quand même curieux, non? Le célèbre muraliste mexicain se représente en enfant pré-ado qui tient la main de la Mort et sa femme, presque comme une mère, derrière lui, la main posée sur son épaule. Quoique, la culture mexicaine est fortement influencée par les moeurs indiennes, la mort a une tout autre connotation que la nôtre. Savez-vous quoi? Le choix de Rivera de se représenter en enfant nous fait penser à l’utilisation d’avatar pour s’identifier dans les échanges sociaux sur le net. Le « moi » représenté est souvent différent du « moi » réel. Qui est le vrai « moi » ?

La première fois quand nous avons vu l’oeuvre de Jenny Saville, nous étions subjugués par la qualité de son travail. C’était en 2007, nous ne savions pas qui était Jenny Saville, nous ne connaissions pas son oeuvre autre que ce tableau vendu aux enchères pour $179,559, Étude de chair, simplement. Nous étions médusés pendant de longs moments devant cette étude de Saville. Si nous possédions cette somme d’argent, nous l’aurions acheté sans hésitation.

Trois ans plus tard, si nous ne pouvions utiliser qu’un mot pour qualifier son oeuvre, ce serait le mot « abandon ». Un abandon de son corps au profit de sa peinture; un abandon de censure pour une mise en accent de son corps, qui est loin des critères de la beauté idéale du corps de femme que l’on monte au public au grand jour; un abandon d’artifices visuels pour embellir; un abandon du soi, une chair qui déborde.

Dans les autoportraits de Kahol, il y a cette douleur qu’elle cherchait à illustrer, ce dedans à ouvrir et à extirper. Chez Saville, elle semble chercher à faire « transpirer » son être par la chair.

Qu’est-ce qui pousse un artiste à faire des autoportraits? Dans le cas de Frida Kahlo, c’est sa condition humaine.

Atteinte par la poliomyélite à 10 ans, devenue handicapée de sa jambe droite atrophiée; grièvement blessée à 18 ans, abdomen transpercé, un grand nombre de fractures aux deux jambes. Le bassin, les côtes et la colonne vertébrale brisés. Mais c’est seulement un an après l’accident que l’on remarque qu’une de ses vertèbres lombaires est aussi fracturée. Alitée, Frida Kahl0 commence à peindre des autoportraits.

Femme de liberté, Frida Kahl0 est intéressée par la condition féminine et le sort des femmes, elle refuse une vie de femme traditionnelle mexicaine. Communiste à 21 ans, elle rencontre Diego Rivera, renommé muraliste. Mariée à celui-ci l’année suivante, mais Rivera l’a trompé peu de temps après leur mariage.

Elle a détesté son séjour aux États-Unis. Durant cette période, deux fausses couches et une décès, celle de sa mère. Pendant qu’elle est hospitalisée aux États-Unis, Diego Rivera a eu une liaison avec la soeur de Kaklo.

Malgré une profonde amitié entre elle et la femme d’André Breton et admirée par ce dernier, elle se défend d’être une surréaliste. Elle peint sa vie et non de rêves. Elle a d’ailleurs tout aussi détesté son séjour en France.

Nous terminons aujourd’hui avec les dernières lignes de son journal avant sa mort : On m’a amputé la jambe il y a six mois qui me paraissent une torture séculaire et quelques fois, j’ai presque perdu la tête. J’ai toujours envie de me suicider. Seul Diego m’en empêche, car je m’imagine que je pourrais lui manquer. Il me l’a dit, et je le crois. Mais jamais de toute ma vie, je n’ai souffert davantage. J’attendrai encore un peu…

Voilà, on peint et vit parfois pour les autres, mais au nom de soi-même. Frida Kahlo en a peint plusieurs autoportraits pour les autres en considérant sa propre condition humaine.

En parlant de l’écharpe rouge dans cet autoportrait de Dali, elle nous amène ce soir à cette célèbre affiche d’Henri de Toulouse-Lautrec.

Vous saviez peut-être, sinon, nous vous le disons, euh, pour la première fois : Toulouse-Lautrec est un dessinateur hors pair. Nous pouvons affirmer avec témérité et sans hésitation qu’il est parmi les 10 plus grands illustres dessinateurs de l’histoire de l’art occidental.

Nous espérons qu’il n’a y personne qui conteste cette affirmation. Sinon, il faudrait faire un travail de moine pour illustrer cette affirmation à emporte-pièce…Ouf, nous avons chaud! SVP, ne nous dites pas que vous n’êtes pas d’accord.

Plus sérieusement, que puissions-nous vous parler aujourd’hui? Comment Toulouse Lautrec est-il génial comme dessinateur? Nah. Vous pouvez le constater par vous-même avec ces trois autoportraits de ce grand dessinateur.

Le premier est d’un réalisme idéalisé en cachant son handicap. Un autoportrait à peine esquissé qui laisse voir tout le réalisme de facture académique, sorti de la main d’un prodige: sure, rapide et virtuose.

Le second dessin est mi-caricature, mi-autoportrait réalisme dans lequel on décèle la rigueur du dessin et l’esprit satirique à peine dévoilé :  réunir dans un seul petit dessin le sérieux du réalisme et l’exagérer son handicape par dérision.

Le troisième dessin, une caricature? Peut-être. Mais nous retenons surtout le schéma : la tête, très simplifiée, mais en conservant tout son réalisme; le corps par de lignes-contour discontinues; un trait pour suggérer probablement la fouette du cavalier. Saviez-vous que Toulouse-Lautrec est un passionné des chevaux? Une autre fois, nous vous parlerons du dessin animalier dans l’art occidental.

Dans toute observation ou analyse d’oeuvre d’art, une « chose » importante à retenir, le schéma – la clef d’accès à la voûte d’imagerie de l’artiste. Il est plus importante que les choses « intelligentes ». Un schéma, c’est toujours simple.

Il y a toujours une part d’autoportrait dans toute oeuvre d’art. Elle est tantôt cachée, tantôt dévoilée par l’artiste, mais trop souvent passée inaperçue.

Avant-hier en faisant la cueillette d’images pour illustrer le billet sur l’autoportrait, l’idée a fait son chemin. Nous voilà faire un retour sur le sujet que nous pensions sans grand intérêt. Entre ce que nous pouvons penser et les aboutissements d’une idée, il y a souvent des ramifications que nous ignorions, volontairement ou pas.

L’autoportrait de Francis Bacon nous a fait penser que même si l’autoportrait comme forme artistique était moins en vogue de nos jours, cette forme d’art continue d’intéresser des artistes. Dans le fond, que ce soit la négation, le non-sens, le dérivé ou encore le dénie le plus total de ce « soi-même » ,  il en demeure le noyau originel de tout processus créatif. La représentation de l’identité du soi est un vaste sujet. Elle est étroitement liée au « je » autonome, à « nous »  inclusif et à ce « eux » exclusif.

Il se peut que ce « je-nous-et-eux » vous semble bizarrement réunis dans un petit bout de phrase qui, nous le convenons bien, nécessite de longue élaboration. Nous y reviendrons une autre fois.

Bon, revenons sur le sujet d’aujourd’hui, nous nous sommes dits, mais pourquoi pas un pêle-mêle d’autoportraits pour le plaisir d’en faire une un répertoire d’autoportraits. Disons, les portraits d’eux-autres les célèbres artistes, par eux-même. Si les mots sont parfois de trop. L’image, elle ne trahit jamais si on la prenait telle qu’elle est. Elle nous révèle sans détour les traits de personnalité dominants de son créateur, avec ou sans candeur.

Par exemple, ce jeune Courbet en homme désespéré, est-ce une désinvolture d’un jeune premier qui critique la société dans laquelle il vivait,  ou encore, sa réaction à l’art stérile que pratiquait ses contemporains? Est-ce peut-être même le doute de son propre avenir artistique incertain? Bref, la suite de sa production artistique de ce jeune Courbet nous révèle bien son état d’esprit à l’époque de cet autoportrait intitulé « L’Homme désespéré ».

Que dire maintenant de cet autoportrait du vieux Dali excentrique jusqu’aux confins de sa vie mondaine à l’image de n’importe quelle starlettes de nos jours qui s’étalent dans les revues de potinage.  Seule différence, Dali a du talent. Il peut peindre son « soi-même » en train de râper une main pour en faire du rouge, couleur de cette écharpe, cliché de cet ornement d’artiste.

Et ce Gauguin qui fait la mimique devant un crucifié? Le message est peut-être voilé, mais l’intention de faire référence à Christ, elle est là, sans voile.  Il serait spéculatif d’écrire que le geste de Van Gogh se couper un oreille est due à l’emprise de ce Gauguin messianique sur Van Gogh. Si la logique demeure apparente que Van Gogh ait dédié l’un de ses autoportraits à Gauguin, l’infortune de cette rencontre dite artistique et créative de l’artiste hollandais qui a terminé sa vie tristement quelques heures avant le 29 juillet 1890 peut être un sujet d’intérêts à explorer. Il y a derrière des oeuvres acclamées, de joie et de désolation.

Voilà, nous commençons aujourd’hui avec cet autoportrait de Van Gogh, dédié à son ami Gauguin.

De nos jours, ce n’est plus une forme d’expression artistique bien prisée comme ç’a déjà été jadis. Plusieurs grands peintres ont laissé à la postérité au moins un autoportrait, sinon plusieurs. Il faut réunir plusieurs conditions pour produire un bon autoportrait. Il faut d’abord une très bonne compréhension de soi et de son état mental pour qu’un autoportrait se prémunit de qualité émotive forte. Évidemment, une bonne maitrise de la technique picturale favorise la qualité plastique d’un autoportrait. Plusieurs artistes font un ou deux portraits d’eux-mêmes dans leur jeunesse, souvent très maniériste. Ils se sont probablement rendu compte en vieillissant qu’il est préférable de consacrer leur temps à faire des oeuvres qui répondent mieux à leur aspiration artistique que de peindre soi-même devant un miroir. Mais, il existe quelques exceptions, Rembrandt arrive à la tête de cette courte liste d’artistes qui ont fait des autoportraits sans vanité… parfais, avec vanité et maitrise de leur art.  Van Gogh en a fait quelques bons autoportraits, mais pas tous de la même qualité.

Bon, voici quelques autoportraits d’artistes connus.