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Malgré la grandeur de son œuvre, l’artiste demeure humain. Semble-t-il que Michelange détruisait ses dessins, par peur qu’on lui vole ses idées.

Les rares dessins de Michelange parviennent à nous, témoignent sa perception spatiale hors de l’ordinaire. Son dessin est à la fois l’incarnation du renouveau artistique d’une époque et l’aspiration de sa propre pensée humaniste.

Michelange dessinait des corps surdimensionnés, cependant toujours humains. Il les remodelait et reformulait divinement en espérant peut-être que le divin se manifeste dans le vide qui entoure ses créatures. Michelange créait des hommes pour mieux retrouver parmi eux son divin. Ses dessins sont des témoins oculaires de la genèse de sa production artistique.

Le dessin, la peinture, la sculpture et l’architecture forment ainsi les points cardinaux, bien portant, de l’univers artistique de Michelange. Ce sont des prières qu’il offre à son Dieu, à coups de crayon, de pinceau et de ciseau. Écrit-il : « Malgré Tes promesses, Ô Seigneur, peut-être serait-ce trop espérer que même un amour comme le Tien pût fermer les yeux sur mes errements sans nombre… »

Aujourd’hui, quelques lignes sur l’un des cinq plus grands dessinateurs de l’Histoire de l’art : Picasso.

Êtes-vous surpris par cette admiration affirmative que nous avons pour Picasso? Picasso est, sans doute, le plus grand dessinateur de tous les temps, de par son habileté, sa polyvalence et son génie en dessin.

Vous n’avez pas à aimer les dessins de Picasso parce que c’est du Picasso. Si vous vous intéressiez au dessin, vous aimerez assurément le dessin de Picasso! Car tôt ou tard, vous verrez un dessin de lui qui répond à la perfection à vos critères esthétiques, qui touche votre sensibilité et qui suscite la curiosité de votre intellect. À partir de ce moment précis, vous auriez la clé pour percer la dimension cachée de l’univers imaginaire de Picasso, riche, fécond et authentique. Vous constateriez alors que sa peinture n’est qu’une dérivée de son dessin, si génial et amplement suffisant.

Et sa peinture? Ouf… si vous permettiez que nous utilisions le langage de technocrate : de l’innovation, sans plus. Mais, vous convenez avec nous que c’était fort important durant la 2e moitié du 20e siècle de bien savoir « innover ». On l’entend moins souvent maintenant. De nos jours, c’est le mot « éthique », à cause de ces tricheurs, magouilleurs et voleurs cravatés.

Bon, allons! Demain, le dessin de Michelange.

Un chef-d’oeuvre artistique est une perfection qui n’aspire pas à être parfaite.

L’artiste qui arrive à créer un tel état d’harmonie a probablement su traduire dans son oeuvre plusieurs détails qui forment un univers en soi. La perfection artistique existe si le regard que nous y portons ne retranche ni de détails ni de défauts qui font l’oeuvre.

Hier, au moment où nous écrivions les mots «sensualité» et «rigueur». Nous avions en esprit ces portraits de dames qui ont rendu Ingrès célèbre. Évidemment, nous n’oublions pas ses nus sublimes. Si ce Maître du néoclassicisme supprimait les imperfections de l’anatomie féminine comme le font de nos jours des photographes-graphistes qui photoshopent. Ingrès, lui, il disloquait aussi des articulations et déformait la posture du modèle pour rendre un portrait de femme encore plus parfait que son double. Ingrès refaisait la nature pour la rendre encore plus naturelle.

Le bras du cavalier sur cette peinture chinoise antique, un peu difforme et ces pattes de cheveux, trop frêles d’apparence pour leur corps robuste, n’enlèvent rien à la perfection du dessin. Là encore, nous y trouvons une similitude frappante entre l’art de Han Gan et l’art d’Ingrès.

Individuellement observées, les lignes de leurs oeuvres sont nettes, certainement raffinées, mais peut-être impersonnelles au goût de certains, et même un peu trop maniérées. Cependant, elles s’avèrent porteuses de signatures de deux grands génies lorsque nous regardons l’oeuvre dans son ensemble et contempler l’esprit de leur art.

Ingrès, Portrait de Madame LeBlanc

Ami Cheng étant en vacances, nous perdons momentanément notre référence chinoise. Ô notre petit Guide rouge bien cher!

Ce soir, au lieu d’un enrichissement culturel, nous nous contentons d’un bref regard d’artiste, subjectif, éphémère et sans retenu, sur ces deux œuvres chinoises.

L’une, antique, par le peintre Han Gan (720-780), grand spécialiste des chevaux. Merci Wikipédia! L’histoire de l’art chinois n’a plus de secret avec Wiki. L’autre, de l’artiste contemporaine, Guan Zeju, spécialiste des nus bien en chair…  Ô Internet, les arts n’ont plus de frontières!

Mon Dieu, mais quel gâchis!

Voilà une peinture égal à un chef-d’œuvre d’Ingrès, se fait arnaquer son cavalier barbu au nom de l’art, de la sensualité sexy pour ne pas dire sexuée, ou peut-être, de la modernité artistique…

On a rompu l’équilibre entre le vide et le plein en substituant ce peut-être dompteur de chevaux, ce cowboy chinois antique de toute subtilité par une femme nue – une masse de couleurs et de chair qui fait courbée l’échine du cheval blanc; au nom d’une habileté au réalisme, on a cassé l’harmonie de cette composition de sobriété alors que ces lignes contours légèrement ombragés de couleurs étaient, sensualité et rigueur.

Voilà! Un cavalier cavalièrement détrôné.

Aujourd’hui, une rencontre entre l’Orient et l’Occident.

D’abord, connaissiez-vous l’histoire de Léda et le cygne? Un résumé pour ceux qui ne la connaissaient pas. Léda fut aimée par le dieu des dieux, le grand Zeus lui-même, qui se métamorphose en cygne pour la séduire. Ce fut un coup de foudre et un amour passionné dans lequel le désir divin rencontre la grâce! « Je te veux! Je ne te veux pas! »

Évidemment, cette histoire fait rêver de grands artistes, poussant ainsi les êtres à l’imagination fertile et féconde à exagérer et à repousser les limites de l’acceptable de leur époque. Da Vanci, Véronèse, Tintoret, Boucher et autres ont tous matérialisé à leur manière le fantasme que le commun des mortels n’ose point à extérioriser avec tant d’aisance.

Voici la version la moins osée, faite par François Boucher.

Le petit billet d’hier nous a conduits à faire quelques recherches plus poussées. Nous avons appris que la peinture que Guan a empruntée comme toile de fond est vieille de plus de mille ans. Son auteur est un peintre chinois célèbre qui s’appelle Zhou Fang (618-907). Dans la transcription graphique faite par Guan, la grue à tête rouge a été déplacée.

Voici l’inévitable question: la grue à calotte rouge portait-elle un symbolisme dans cette peinture chinoise ancienne?

Malgré l’éloignement des deux cultures, existe-t-il une certaine similitude entre le cygne de Léda et la grue de ces femmes chinoises aux fleurs? Heureusement que Guan n’est pas un Français, sinon, nous aurions pu croire que cette grue est un clin d’oeil de l’artiste, en flanquant à la droite de son tableau cette femme à moitié nue, fort bien modelée.

Voyez-vous, celui qui regarde un tableau peut voir plus que le tableau en contient.

Aujourd’hui, une peinture de dialogue… entre deux représentations de femmes orientales; entre l’aplat et le modelé; entre un art chinois ancien reproduit comme fond pour faire moderne et un art chinois aux accents contemporains, mais qui demeure assurément académique. On dirait qu’il y a une harmonie orientale dans le savoir-faire.

Il y a ces journées où nous nous disons que la prudence s’impose. Comme là, faudrait-il étaler nos vagues pensées sur cet art que l’on qualifie de l’art contemporain chinois? Devrions-nous rester objectif et voir cette peinture avec un regard détaché, peut-être même à emprunter un ton plus analytique? Ou encore, soyons tout simplement aigres-douces !?

- Euh… Bon ben, voilà tout!

- Ah oui! Qui est l’artiste? Guan Zeju.

En passant, nous avons choisi ce tableau de Guan pour la dialectique de son propos artistique et ce, même si son vocabulaire visuel est sans surprise, mais son ambiguïté est certaine.

Aujourd’hui, nous aurions pu changer de thème en vous placotant du 40e anniversaire du premier homme sur la Lune. Mais nous décidons de poursuivre ce fil d’idées sur les seins nus.  Si la sensualité peut vendre aux touristes des voyages en France, elle sera assurément bonne pour susciter l’intérêt général… non?

- Bon, d’accord. Nous exagérons un tantinet.

Elle s’appelle Marina Abramovic. Elle met son corps au service de son art depuis plus de 40 ans. L’obsessivité de cette passion viscérale pour la prestation artistique corporelle a fait d’elle sans aucune doute l’artiste par excellence de l’art performance. Elle est la Matriarche du Body Art.

Image : Marina Abramovic ©

Marina Abramovic, Grand Prix de la Biennale de Venise en 1997, emploie abondamment la sexualité à travers des histoires de rites et de cultures païens balkaniques. Cette photographie est tirée de son oeuvre intitulée « Balkan Erotic Epic » dans laquelle l’artiste accompagnée d’acteurs costumés folkloriques interprètent des rites et légendes. L’artiste célèbre à travers ses performances la culture populaire des Balkans, le mythe du pouvoir de la sexualité et la tradition agricole païenne, d’une manière à la fois personnelle et archétypale.

À découvrir les nombreuses histoires racontées par l’artiste à propos de l’usage de l’érotisme et de la sexualité dans la vie quotidienne de couple, qui passe par la fertilité aux rites agricoles. Toujours au sujet de ses performances « Balkan Erotic Epic », dans une danse du Soleil, si si! Des villageoises couraient dans les champs, sous la pluie, levaient leurs jupes en montrant leur sexe pour effrayer les esprits de la pluie; des hommes « fécondaient » la terre pour favoriser des récoltes; une mère protège son enfant contre les mauvais esprits en enduisant le visage de l’enfant avec… Bref, si vous vous considérez apte à voir cet art singulier, par ici et ce, sans avoir à vous procurer un compte d’utilisateur chez Dailymotion pour prouver que vous êtes une personne majeure et vaccinée.

Le contenu du vidéo est osé, nous préférions vous le prévenir.

Les deux versions du logo ont été mises au point par l’agence de publicité française Carré Noir, en collaboration avec Destination France 2020 – un groupe de travail gouvernemental français. Le tout, avec l’approbation du ministre de l’Économie et du secrétaire d’État chargé du Tourisme en France. Même si la version d’une Marianne au buste dénudé avait été approuvée et dévoilée en grande pompe, elle a été quand même retirée et remplacée par le symbole de la République française en tenu plus « acceptable»  aux yeux des pays aux moeurs puritaines.

Dans certains pays, l’image de la nudité féminine dans la publicité est plus commune et acceptée, alors qu’ailleurs, on préfère des publicités plus voilées et subliminales.

Bon, regardons de l’autre côté de la médaille, comment s’est-il passé ou comme dirait par chez nous, comment en est-on arrivé à se peinturer dans un coin avec une image de Marianne scandaleuse au buste nu comme logo du Tourisme en France?

Il semblerait que le remue-méninge du groupe de travail gouvernemental avait conclu que la liberté, l’authenticité et la sensualité en sont des valeurs qui rendent la France unique, mais malheureusement ce sein tracé avec la lettre R de Marianne en est de trop aux yeux de certains.

Jour de paresse… et dans une suite d’idées, ce soir, nous avons une petite pensée à propos de ce commentaire de l’autre jour sur les crises politiques. Saviez-vous que les Trois Glorieuses symbolisent depuis 1830 ces trois jours historiques? Les 27, 28 et 29 ont transformé définitivement la monarchie française. Le roi de France est devenu alors le roi des Français qui doit prêter serment comme étant un roi citoyen. Delacroix en a tiré profit avec ce grand tableau. Il l’a présenté au Salon l’année suivante.

Au Salon de cette année-là, il y avait une quarantaine de représentations de l’émeute de juillet 1830. Delacroix a été récompensé. Le roi des Français, Louis-Philippe 1er, a acheté son tableau pour 3000 fr et l’artiste décoré.

Nous voulons savoir si Delacroix avait noté quelques pensées d’intérêt au cours de cette période. Nous avons alors feuilleté son Journal il y a quelques instants en nous rappelant qu’il avait cessé de tenir son journal en automne 1824 et repris son écriture qu’en 1847, à l’aube de sa vieillesse.

- Doh!

Voilà, des grands savaient utiliser leur temps pour faire de l’art au lieu de s’astreindre à écrire au jour le jour des trucs sans grande d’importance pour se soulager de la monotonie.  Bon bien, voilà tout pour ce soir.

Bonne fête aux Français!  Une mer de drapeaux Bleu Blanc Rouge pour souligner la fête du 14 juillet. Bon, l’essentiel est dit. Passons maintenant aux choses sérieuses, c’est-à-dire, à la peinture!

Certains artistes savent comment déploier leur art au travers les moeurs de leur époque et matérialiser la fugacité des événements de leur vie. Monet en est un exemple à suivre. La rue Montorgueil à Paris, fête du 30 juin 1878.

En 1878, le ministère Dufaure avait fixé au 30 juin une fête parisienne en l’honneur de la République. Le tableau de Monet représente à la fois cette fête parisienne et les festivités de clôture de l’Exposition Universelle de 1878. La rue Montorgueil de Monet est un élan d’enthousiasme qui anime la patrie et aussi, une manifestation nationaliste et républicaine.

Saviez-vous que ce n’est qu’en 1880 que le 14 juillet est devenu fête nationale des Français?

Notre premier réflexe est d’appeler Ami Cheng pour connaître un peu plus à propos de ces deux images. C’est bien beau le tatouage, le beau corps et le mot Greenpeace. Parfois, même une image de choc ne vaut pas mille mots.

Pour provoquer une réaction instantanée chez Ami Cheng même si sa zenitude est à l’image d’une libellule dans sa posée gracieuse au bord d’une fleur de lotus. Il suffit une ou deux moustiques imprudents pour éveiller son instinct du chasseur.

- Cheng! Comme ça, vous chassez aussi des baleines comme les Japonais pour que Greenpeace s’en occupe de vous?

Cheng rit aux éclats à l’autre bout du fil et répond : Ô idiot Artiste qui ne sait que lire des messages de sot dans des biscuits chinois! Envoie-moi ton texte…

En passant, Cheng a un téléphone sans fil dernier cri.  Ne le prenez pas en pitié. Mais il est toujours perspicace.

Ouste Ami artiste ignorant! Certaines traditions, même millénaires, ne valent pas que l’on les perpétue. Japon, SVP! Cesse les massacres de baleines! Greenpeace

- Salut Cheng! Nous avons ajouté le bonhomme clin d’oeil pour perpétuer notre amitié. Longue vie à nos collaborations!

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De Joseph Joubert, contemporain de Chateaubriand : « Le courageux a du courage et le brave aime à le montrer.» 

Le lâcher de taureaux ou encierro des fêtes de la San Fermin à Pampelune, en Espagne,  a toujours été plein d’émotions pour les braves… en personne. Plusieurs blessés depuis le début des festivités et deux encornés perdent leur vie dans des folles courses cette année. Traditionnellement vêtus de blanc, un foulard rouge noué au cou, majoritairement des hommes, dévalent chaque matin à 8:00 le parcours de 825 mètres, au plus près des taureaux qui seront mises à mort dans les arènes de la ville, un peu plus tard dans la journée.

Les deux semaines de fêtes de Pampelune sont très populaires et prises. Elles ont une très grande visibilité internationale, tout juste derrière le Carnaval de Rio et celui de Venise. Ces courses encierro ont fait quinze morts depuis 1911.

Bon Dieu! On sait bien que le niveau global de la faculté mentale d’une foule est inférieur à celui d’un seul de ses membres. Imaginons maintenant que les « leaders»  de cette foule sont des taureaux en furie qui marchent dans le couloir de la mort…

En tout cas, nous préférons nettement des Picasso!

Image : Susana Vera/Reuters